Sunday, October 25, 2020
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A casa: 11 fantastici programmi TV realizzati dai registi

11 spettacoli da guardare
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Con gli studi sempre più schizzinosi riguardo al bankrolling di film non in franchising e le guerre di streaming che aprono nuove strade per la televisione più avventurosa e di nicchia, i grandi registi non solo hanno invaso la televisione ma sono sopravvissuti alla transizione con la loro sensibilità intatta . Nelle ultime due settimane, Damien Chazelle (“Whiplash” e “La La Land”) ha portato la sua ossessione musicale per il dramma jazz cosmopolita di Netflix, “The Eddy”, e Crystal Moselle ha riportato la ragazza di New York- gang skateboarder della sua indie “Skate Kitchen” 2018 per la serie HBO “Betty”.

La televisione auteur non è un fenomeno del tutto nuovo. Due degli spettacoli in questa lista, “Twin Peaks” di David Lynch e “Berlin Alexanderplatz” di Rainer Werner Fassbinder, erano affiliati alla convention quando apparvero per la prima volta decenni fa. (Alcune serie importanti che non sono disponibili per lo streaming includono “The Decalogue” di Krzysztof Kieslowski e “The Kingdom” di Lars von Trier). Ma gli esempi che seguono sono tutti distintamente opera dei registi che hanno reso la televisione conforme, non l’altra in giro.

“Berlin Alexanderplatz” (1980)

Uscendo da “Il matrimonio di Maria Braun”, il più grande successo internazionale della sua carriera, il prolifico regista cinematografico tedesco New Rainer Werner Fassbinder scandalizza il paese con il suo mastodontico adattamento in 14 parti, 15 ore e oltre del classico romanzo di Alfred Doblin su un tormentato Everyman alla fine degli anni 1920 a Berlino. È un lavoro difficile e conflittuale di qualsiasi televisione standard, e tanto meno trasmessa, con un eroe in Franz Biberkopf (Gunter Lamprecht) che è spesso un conformista vile e brutale, oltre a uno stile oscuro e sperimentale. Ma ha anche costretto un pubblico tedesco a fare di nuovo i conti con la vita nella Repubblica di Weimar e le condizioni che hanno dato origine al capitolo più oscuro del paese. Negli anni successivi, “Berlin Alexanderplatz” ha suonato in case di repertorio come una narrazione sul Monte Everest per i cinefili, ma vale la pena ricordare che è iniziato come una proposta difficile per le masse.

‘Twin Peaks’ (1990-1991, 2017)

Quattro anni dopo “Blue Velvet” (1986), il regista David Lynch e il suo co-creatore, Mark Frost, hanno rivoluzionato la televisione di rete con una soap opera in prima serata, portando l’eccentricità distintiva del film, l’atmosfera seducente e il forte senso del bene e del male in una cittadina idilliaca per la ABC. Il mistero di chi ha ucciso Laura Palmer ha indotto il pubblico a indovinare durante la prima stagione e la metà della seconda, ma il whodunit era il gancio su cui Lynch e Frost potevano esplorare il dolore collettivo e la duplicità dei cittadini. Il revival di Showtime del 2017, “Twin Peaks: The Return”, ha dato loro una mano ancora più libera di sperimentare, risultando in un episodio straordinariamente sperimentale che va dentro un test di bomba atomica.

“Eastbound & Down” (2009-2013)

Con il loro modesto debutto indipendente su un piccolo istruttore di taekwondo, “The Foot Fist Way” (2006), il regista Jody Hill e la sua stella e co-sceneggiatrice (con Ben Best) Danny McBride hanno creato un marchio insolito di commedia che ha influenzato un tipo molto particolare di mascolinità americana di basso livello. Nel 2009, Hill ha fatto un grande balzo in avanti come stilista con la commedia oscura “Observe and Report”, e quello stesso anno, lui, McBride e Best hanno creato la serie HBO “Eastbound & Down”, una forte odissea comica su un cattivo- ragazzo lanciatore la cui carriera gira intorno allo scarico. (David Gordon Green e Adam McKay stavano contribuendo alla regia.) La serie inizia quando il tipo John Rocker di McBride viene rimbalzato dalle major, quindi lo segue in un giro di quattro stagioni in cui cerca di tornare nelle squadre in Messico e Myrtle Beach. Principalmente trova solo nuovi modi colorati di toccare il fondo.

‘Top of the Lake’ (2013, 2017)

Anche se la regista neozelandese Jane Campion si è avventurata presto in televisione con “An Angel at My Table”, la sua grande biografia per il poeta e autrice televisiva Janet Frame, “Top of the Lake” è stato il suo primo tentativo di sostenere serie. Creata con Gerard Lee, la serie ha anche riunito Campion con Holly Hunter, la star del suo film rivoluzionario, “The Piano”, e li ha restituiti in un altro ambiente naturale austero e meraviglioso che è a filo con la minaccia della violenza e delle aggressioni sessuali. Hunter è una rivolta come guru spirituale per le donne in esilio, ma lo spettacolo è incentrato su Elisabeth Moss come investigatrice di crimini sessuali che esamina la scomparsa di una ragazza incinta di 12 anni una stagione e un’altra ragazza la successiva. La prima stagione è più forte della seconda, ma entrambe riguardano donne di tutte le età che si contendono la volatilità e gli abusi maschili.

‘The Knick’ (2014-2015)

Quando Steven Soderbergh “si è ritirato” dal fare film dopo “Effetti collaterali” (2013), c’era molto scetticismo tra i critici. Gli scettici erano giustificati, poiché Soderbergh tornò solo quattro anni dopo con “Logan Lucky”, ma il suo messaggio era chiaro: la televisione gli offriva l’opportunità di raccontare storie che gli studi non erano, il che fece appello a un regista che aveva trascorso una carriera aggirando il guardiani della produzione convenzionale. In due stagioni su Cinemax, Soderbergh ha diretto ogni episodio di “The Knick”, sulle innovazioni chirurgiche lungimiranti – e spesso icky – al Knickerbocker Hospital di Upper Manhattan all’inizio del XX secolo. (La serie è stata creata da Jack Amiel e Michael Begler.) Nel volatile genio del Dr. John Thackery (Clive Owen), il capo chirurgo tossicodipendente dell’ospedale, Soderbergh ha una linea drammatica attraverso cui ossessionare il periodo in tutto il suo raccapricciante dettaglio.

‘Sense8’ (2015-2018)

Con i primi film come “Bound” e “The Matrix”, Lana e Lilly Wachowski avevano lavorato per un mondo fluido e senza confini dove le certezze dell’identità e persino della realtà stessa sono in gioco. Il loro adattamento del romanzo “Cloud Atlas” di David Mitchell è andato ancora più in là, collegando i personaggi attraverso una divisione temporale che si estendeva per millenni. La loro serie Netflix, “Sense8”, creata con J. Michael Straczynski, sembra il culmine naturale di queste idee, creando un legame psichico tra otto “sensati” di tutto il mondo che condividono esperienze, conoscenza e potere l’uno con l’altro. C’è un qualche intrigo internazionale attorno a un’organizzazione determinata a eliminarli, ma all’interno di questa premessa di fantascienza c’è un desiderio di unità globale, uno in cui un hacktivista transgender di San Francisco ha qualcosa in comune con un autista di minibus a Nairobi.

‘Queen Sugar’ (2016-oggi)

Sebbene Ava DuVernay avesse già intrapreso due film nella sua carriera, non è stata fino a quando “Selma”, il suo scrupoloso trattamento del Rev. Dr. Martin Luther King Jr. e la Selma del 1965 a Montgomery con diritto di voto, ha ottenuto un riconoscimento più ampio. DuVernay e Oprah Winfrey, che avevano coprodotto “Selma”, hanno condiviso questo successo nella serie PROPRIA “Queen Sugar”, un pittoresco dramma familiare sui fratelli afroamericani fratturati che ereditano la fattoria di canna da zucchero da 800 acri del padre in Louisiana. Ma la serie ha meno in comune con “Selma” che con l’intimo dramma domestico dei film precedenti di DuVernay, “I Will Follow” e “Middle of Nowhere”, che si occupavano delle complicazioni della malattia familiare e dei matrimoni pieni. The Bordelons of “Queen Sugar” rappresentano un riff moderno, più consapevole dal punto di vista razziale e terra-terra sulle Ewings di “Dallas”, e lo spettacolo serve anche come mezzo progressivo per DuVernay per diversificare il mezzo. Per quattro stagioni, le donne hanno diretto ogni episodio.

‘The Young Pope’ (2017) / ‘The New Pope’ (2020)

Con film come “Il Divo”, “La grande bellezza” e “Loro”, il regista italiano Paolo Sorrentino ha continuato nella tradizione massimalista di Luchino Visconti e nel medio-tardo periodo Federico Fellini, con un occhio alla commedia surreale e i grandi eccessi delle istituzioni corrotte. Quell’irriverenza e lo stile sono arrivati ​​alla televisione completamente intatti in “Il giovane papa”, che ha scelto Jude Law come Pio XIII, un ostentato americano di terza generazione che taglia l’immagine di un ribelle anti-istituzione ma guida il Vaticano in una direzione radicalmente conservatrice. Dopo che la stagione si concluse con il collasso di Pio, “Il Nuovo Papa” riprende con John Malkovich come suo successore, Giovanni Paolo III, che è molto meno sicuro di sé nel gestire l’assortimento di crisi che affliggono la moderna chiesa cattolica. Attraverso tutti i sussurri cospiratori e le trame dietro le quinte, Sorrentino rivela di nuovo le eccentricità e i difetti che affliggono gli uomini potenti.

‘She’s Gotta Have It’ (2017-2019)

Potrebbe sembrare un’idea dubbiosa per Spike Lee far rivivere la sua commedia rivoluzionaria del 1986 come una serie di Netflix, ma “She’s Gotta Have It” gli ha dato l’opportunità di aggiornare ed espandere il film mentre modificava la misoginia che aveva cagliato la sua reputazione tempo. I fondamenti del film e dello spettacolo sono gli stessi, con la ricerca del piacere Nola Darling (interpretata qui da DeWanda Wise) che gioca liberamente con tre uomini: il professionista abbottonato, Jamie (Lyriq Bent); l’arrogante narcisista, Greer (Cleo Anthony); e il goffo Mars Blackmon (Anthony Ramos), che lo stesso Lee aveva immortalato nell’originale. La serie offre a tutti questi personaggi più spazio per respirare mentre scatta un’istantanea aggiornata a colori della gentrificata Brooklyn. Ma Lee ha espresso rammarico per il modo in cui il film ha gestito un attacco sessuale e le sue conseguenze, e la televisione “She’s Gotta Have It” funge da atto di auto-critica.

‘Too Old to Die Young’ (2019)

Il provocatore del genere danese Nicolas Winding Refn ha mostrato un talento per la narrazione serializzata quando ha ampliato il suo film d’esordio del 1996, “Pusher”, in una trilogia cruenta e straziante sugli inferi di Copenaghen. La sua serie Amazon, “Too Old to Die Young”, ideata con lo scrittore di fumetti Ed Brubaker, ha la brutalità e l’ultraviolenza dei film “Pusher”, ma è un’ustione molto più lenta, in linea con il colore sorprendente e il rigore formale di recenti sforzi di Refn come “Drive”, “The Neon Demon” e in particolare “Solo Dio perdona”. Oltre 10 parti e 13 ore lunghe, “Too Old to Die Young” segue Miles Teller nei panni di un detective della polizia di Los Angeles che illumina di luna un killer a contratto, una convergenza che si intensifica dopo l’assassinio del suo partner. Richiede pazienza per superare lo splendido e sbalorditivo pezzo d’atmosfera di Refn, ma l’atmosfera fa apparire in contrasto gli spasmi occasionali di violenza.

‘Devs’ (2020)

Aggiungendo la televisione al suo curriculum in continua espansione come romanziere di genere, sceneggiatore e sceneggiatore-regista, la serie FX FX di otto episodi di Alex Garland sembra una sintesi dei suoi due film precedenti. La relazione tra un visionario della Silicon Valley (Nick Offerman) e un ingegnere informatico di basso livello (Sonoya Mizuno) ricorda la megalomania e la violenza del suo debutto alla regia, “Ex Machina”. E il mondo all’interno di un mondo evocato da un progetto top-secret rispecchia “Annihilation” di Garland, insieme al suo sound design ultra-aggressivo e al finale metafisico. Anche tra film o spettacoli con una visione acida dei geni della tecnologia, “Devs” si reca in un luogo incredibilmente buio e pessimista: nel tentativo di riportare indietro sua figlia dai morti, un uomo è disposto a uccidere i suoi dipendenti e rompere lo spazio- continuum temporale.

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